¿Cuál es el futuro de un Hollywood que apuesta cada vez más por las secuelas, precuelas, remakes, blockbusters y superhéroes, dejando el cine de autor en manos del mercado europeo?
Quizás para averiguarlo deberíamos echar un vistazo a la historia, incluida la más negra, de lo que un día se conoció como «la fábrica de sueños».
Los Óscar 2019 hablan menos inglés que nunca
Ante la inminente entrega de los premios Óscar 2019 el próximo 24 de febrero, se han realizado muchas especulaciones sobre la lista de las ocho películas candidatas a Mejor Película en esta edición y su calidad cinematográfica. Aunque podemos estar de acuerdo en que no ha sido un año de buena cosecha para el cine norteamericano, todavía se evidencia más en la categoría de Mejor Dirección.
Entre los cinco candidatos al máximo reconocimiento como mejor realizador del año, tenemos a un griego (Yorgos Lanthimos ), un mexicano (Alfonso Cuarón) y un polaco (Pawel Pawlikowski), junto a un director representante del Blaxploitation (movimiento cinematográfico sobre filmes de explotación negra), como ha sido Spike Lee, sistemáticamente olvidado de los Óscar, y un director blanco y muy norteamericano, formado en la comedia de improvisación: Adam McKay.
Los #Óscar2019 hablan menos inglés que nunca. ¿Cuál es el futuro de un #Hollywood cada vez más comercial que deja el #CineDeAutor en manos del mercado europeo? Desde la #CazaDeBrujas hasta nuestros días con @OrdunaMaite. Share on XDe verdad que no es un chiste, este es el panorama en el Hollywood actual. Para encontrar una explicación, tal vez, debemos mirar el pasado y con ello tratar de vislumbrar el futuro.
Las listas negras: la vergüenza de Hollywood
El sistema de estudio y la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas que se desarrollaron a fines de la década de 1940: una importante acción antimonopolio federal que separó la producción de películas de su exhibición y el advenimiento de la televisión, aunque pronto cayó en la popular creencia de ser un medio con contenidos de baja calidad.
La Corte Suprema finalmente dictaminó que la propiedad que los principales estudios ejercían sobre los cines y la distribución de películas era una violación de la Ley Antimonopolio de Sherman. Como resultado, los estudios comenzaron a liberar a los actores y al personal técnico de sus contratos. Esto cambió el paradigma de la realización de películas por parte de los principales estudios de Hollywood, ya que cada uno podría tener un elenco y un equipo creativo completamente diferentes.
Como consecuencia, el número de películas que se producían anualmente se redujo a medida que el presupuesto promedio se disparó, marcando un cambio importante en la estrategia para la industria. Los estudios en aquel momento apuntaban a producir entretenimiento que la televisión no podía ofrecer: producciones espectaculares, más grandes que la vida real. Los estudios también comenzaron a vender partes de sus fondos de videoteca a otras compañías para ofrecerlas a la televisión. En 1949, todos los estudios de cine importantes habían renunciado a la propiedad de sus cines.
Además desapareció el Código Hays de censura con la Decisión Milagro de 1952, que declaró que las imágenes en movimiento eran una forma de arte y tenían derecho a la protección de la Primera Enmienda, por lo tanto las leyes estadounidenses ya no podían censurar las películas y apareció el actual sistema de clasificación de películas.
Ante este esperanzador panorama, parecía que Hollywood renacería como un industria más libre y creativa. Pero apareció otro tipo de censura mucho más perniciosa y letal para la independencia del cine, que procedía de los eventos acontecidos en la década de 1930 y principios de la década de 1940, el apogeo de la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Dos importantes huelgas en la industria del cine durante la década de 1930 aumentaron las tensiones entre los productores de Hollywood y los sindicatos, en particular del todopoderoso «Screen Writers Guild». El Sindicato fue creado para establecer los criterios que acreditaran a los autores por realizar o contribuir a un guion, conocido como «créditos de pantalla». Los estudios cinematográficos respondieron negándose a contratar miembros de Guild Writers, pero estos ganaron la contienda frente a Junta Nacional de Relaciones Laborales y los grandes estudios tuvieron que adherirse.
El crecimiento de la influencia política conservadora y el triunfo republicano en las elecciones del Congreso de 1946, que hicieron que el partido tomara el control de la Cámara de Representantes y el Senado y condujeron a una importante reactivación de la actividad anticomunista institucional, encabezada públicamente por HUAC (Comité de Actividades Antiestadounidenses).
A partir de 1940, el Gremio fue atacado por dicho Comité en la Cámara de Representantes por supuestas tendencias comunistas radicales de muchos de sus miembros. Los ataques se intensificaron en 1947, cuando más de una docena de escritores fueron llamados a declarar. Y con ello apareció la primera lista negra de Hollywood, que fue instituida el 25 de noviembre de 1947, el día después de que diez guionistas y directores fueran citados al Congreso por negarse a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes. Un grupo de ejecutivos del estudio, actuando bajo la égida de la Asociación de Productores de Películas, despidió a los artistas, el llamado Hollywood Ten (los 10 de Hollywood), e hizo lo que se conoce como la Declaración Waldorf.
El macartismo, las listas negras, los 10 de #Hollywood y la #DeclaraciónWaldorf. La historia más negra de Hollywood y la evolución posterior de la industria cinematográfica más poderosa del mundo, de la mano de @OrdunaMaite. Share on XEl 22 de junio de 1950, se publicó un folleto titulado Red Channels. Centrado en el campo de la radiodifusión, identificó a 151 profesionales de la industria del entretenimiento en el contexto de «fascistas rojos y sus simpatizantes». Pronto, la mayoría de los nombrados, junto con una serie de otros artistas, fueron excluidos del empleo en la mayoría de la industria de Hollywood.
La «salvación profesional» se producía si delatabas a amigos y conocidos por sus ideas políticas y se produjo uno de los periodos más vergonzosos de la historia del cine, uno de los más vergonzosos que ha vivido el cine en general y la industria norteamericana en particular. A partir de los años 50, en Estados Unidos se promulgaron varias leyes que limitaban y censuraban la participación en partidos o actos comunistas de la mano del senador Joseph McCarthy (lo que se conoce como macartismo). El pánico generalizado ante el comunismo debido a la Guerra Fría que sufría Estados Unidos propició un clima de total hostilidad en estos años contra todo y todos los que tuvieran algo que ver con ello, incluidos los artistas cinematográficos. Amparado en el poderoso Comité de Actividades Antiamericanas, el senador McCarthy puso en el punto de mira a algunos guionistas, actores y directores de Hollywood que eran sospechosos de haber pertenecido o pertenecer a partidos u organizaciones comunistas.
La HUAC creía que los comunistas en realidad estaban usando las películas de Hollywood como vehículos para la subversión. En 1952, el Screen Writers Guild, que había sido fundado dos décadas antes por tres futuros miembros de Hollywood Ten, autorizó a los estudios cinematográficos a «omitir de la pantalla» los nombres de las personas que no se habían aclarado ante el Congreso. Intimidar y dividir a la izquierda ahora se considera un propósito central de las audiencias de HUAC.
Las grietas iniciales en la lista negra de la industria del entretenimiento eran evidentes en la televisión, específicamente en la CBS. La primera ruptura principal en la lista negra de Hollywood siguió poco después. El 20 de enero de 1960, el director Otto Preminger anunció públicamente que Dalton Trumbo, uno de los miembros más conocidos de Hollywood Ten, fue el guionista de su próxima película Exodus. Seis meses y medio más tarde, con Exodus aún por estrenarse, el New York Times anunció que Universal Pictures daría crédito a Trumbo por su papel como escritor en Spartacus, decisión de la que Kirk Douglas ahora se reconoce como gran responsable.
En el siglo XXI, el Sindicato de Escritores persiguió la corrección de los créditos de pantalla de las películas de los años 50 y principios de los 60 para reflejar adecuadamente el trabajo de escritores en listas negras como Carl Foreman y Hugo Butler. El 19 de diciembre de 2011, el gremio, en respuesta a una solicitud de investigación realizada por Christopher Trumbo, hijo del fallecido guionista, anunció que Dalton Trumbo obtendría el crédito completo por su trabajo en el guion de la comedia romántica Roman Holiday de 1953, casi sesenta años después de los hechos.
Es difícil estimar el número de víctimas de McCarthy, el número de presos asciende a cientos y unos diez o doce mil perdieron sus empleos. En muchos casos, el simple hecho de ser citado por HUAC o uno de los otros comités fue causa suficiente para ser despedido, por razones políticas. Pero después del extremadamente dañino escándalo de los Cinco de Cambridge (Guy Burgess, Donald Maclean, Kim Philby, Anthony Blunt y John Cairncross), la sospecha de homosexualidad también fue una causa común para ser atacado por el macartismo. La búsqueda de «pervertidos sexuales», que se presume que eran subversivos por naturaleza, dio lugar a que más de 5000 trabajadores federales fueran despedidos, y miles de ellos fueron hostigados y se les negó el empleo. La homosexualidad se clasificó como un trastorno psiquiátrico en la década de 1950, pero en el contexto de la Guerra Fría, se enmarcó como una enfermedad social peligrosa y contagiosa que representaba una amenaza potencial para la seguridad del estado. Paradójicamente, las acusaciones del presunto comportamiento homosexual del propio McCarthy marcaron el final de su carrera política.
No dejan de fascinarme las tremendas persecuciones y vulneración de los derechos civiles que sufrieron muchos ciudadanos americanos durante la década de los años cincuenta y las graves consecuencias que tuvieron en el futuro cultural norteamericano en general y del cine en particular. Las listas negras del senador Joseph McCarthy fueron aprovechadas por los grandes estudios para acabar con el poder del potente Sindicato de guionistas. Renegociaron todos los contratos y la realización de las películas quedó en manos de los productores de los grandes estudios, que controlaban la financiación.
El ambiente de terror a la represión que se vivió en aquellos tiempos provocó que muchos directores que habían huido del nazismo y la guerra que asoló Europa durante los años treinta y durante la Segunda Guerra Mundial, huyeran de nuevo de Estados Unidos e intentaran reemprender sus carreras en Europa, entre los nombre más conocidos encontramos a Max Öphuls, Douglas Sirk y Fritz Lang, entre otros.
El fin de la Era Dorada de Hollywood
Después de estos lamentables hechos, que marcaron el fin de la Era dorada del cine clásico de Hollywood, apareció el cine posclásico que es el término usado para describir los métodos cambiantes de la narración en el Nuevo Hollywood. The New Hollywood describe el surgimiento de una nueva generación de directores entrenados en escuelas de cine que habían absorbido las técnicas desarrolladas en Europa en la década de 1960.
Mientras que las primeras películas de New Hollywood como Bonnie y Clyde o Easy Rider habían sido producciones de relativamente poco presupuesto con héroes amorales y mayor sexualidad y violencia, el enorme éxito disfrutado por Friedkin con The Exorcist, Spielberg con Jaws, Coppola con The Godfather y Apocalypse Now, Scorsese con Taxi Driver, Kubrick con 2001: A Space Odyssey, Polanski con Chinatown y Lucas con American Graffiti y Star Wars, respectivamente, ayudaron a dar lugar al moderno «éxito de taquilla», e indujeron a los estudios a centrarse cada vez más en tratar de producir grandes proyectos.
La creciente indulgencia de estos jóvenes directores no ayudó a frenar a los grandes estudios y las décadas de 1980 y 1990 vieron otro desarrollo significativo: la aceptación popular del Home Cinema, que abrió un vasto negocio nuevo para explotar. Esto, junto con la explosión de la película independiente y los costos cada vez menores para la realización de películas, cambió una vez más el panorama de la realización de películas en Estados Unidos y condujo a un renacimiento de la realización de películas de bajo y medio presupuesto de Hollywood, aquellas sin acceso a los recursos financieros del estudio.
Como respuesta se impulsó la producción de películas espectáculo en la pantalla que ha dado forma en gran medida al cine estadounidense desde entonces. Las películas épicas y espectaculares que aprovecharon los nuevos procesos de pantalla panorámica habían sido cada vez más populares desde la década de 1950 en adelante. Desde entonces, las películas estadounidenses se han dividido cada vez más en dos categorías: éxitos de taquilla y películas independientes.
Con el resurgimiento de la televisión como oferta de productos interesantes y más arriesgados, dado los menores presupuestos en su producción, así como la aparición de nuevas plataformas de oferta de contenidos, que están atrapando al público más joven, los estudios se han centrado en confiar en un puñado de lanzamientos extremadamente caros cada año para seguir siendo rentables. Tales éxitos de taquilla enfatizan el espectáculo y el alto valor de producción, todo lo cual conlleva un enorme presupuesto. Los blockbusters generalmente dependen del poder de las estrellas y de la publicidad masiva para atraer a una gran audiencia.
Como consecuencia, la industria de Hollywood apuesta cada vez más por las secuelas, precuelas, remakes, nuevas adaptaciones de clásicos, superhéroes y los grandes estudios repiten la fórmula millonaria de los últimos años, dejando muy poco espacio al llamado cine de autor, ni siquiera para el cine presentado en Sundance cada vez más en manos de dichas plataformas, como se ha demostrado en la pasada edición.
En este contexto, algunos de los grandes cineastas saltan del sistema de estudios tradicional para desembarcar en las plataformas de vídeo bajo demanda (VOD) y el streaming como Netflix o Amazon. Mientras los grandes estudios venden franquicias, los nuevos actores del panorama audiovisual pueden llevar el cine de autor, el cine de las historias, el cine independiente, a una audiencia más extensa que nunca. Por su parte, Europa sigue siendo fiel al cine de autor, donde se estrena lo nuevo de Ken Loach, Jacques Audiard, Giorgos Lanthimos, Paul Verhoeven o Lars von Trier.
Mientras los grandes estudios venden franquicias, los nuevos actores del panorama audiovisual pueden llevar el #cine de autor, el cine independiente, a una audiencia más extensa a través de las plataformas de #streaming. @OrdunaMaite. Share on X
Y este pequeño recorrido por la historia de Hollywood nos conduce a unos Óscar 2019 donde la calidad cinematográfica es aportada por un cine ajeno a dicha industria y nos hace preguntarnos por el futuro de una las industrias más poderosas del mundo.
Maite Orduña Miró
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